La dualidad en las culturas antiguas – Germán Arzate Garza

Cada mañana que despierto, para mí se hace casi imposible dejar de pensar lo especial que es cómo antes de este amanecer, hubo un cielo cubierto por una extensa oscuridad, como la primera respiración de un bebe, da paso a la vida y como mi propia vida, orientada por mi masculinidad de nacimiento, no hubiera existido sin la presencia de una esencia femenina que alentará mi existir. Eso es la dualidad.

Pero cuando hablo de la dualidad, más que todo su significante presencia en muchas culturas y religiones, especialmente en una tan extensa y rica como la es la de la antigua Maya.

Mi vida, la de todos, está regida según esta cultura por la constante presencia de dos principios de gran supremacía que reaccionan de manera independiente, pero que no dejan de tener un protagonismo entre sí. En mis estudios e investigaciones para buscar nuevas fuentes de inspiración para la realización de nuevas expresiones de arte, he podido darme cuenta de cómo la búsqueda de expresar armonía y equilibrio en cada uno de sus aspectos culturales se hace presente.

Vivir como resultado de la dualidad, es sencillamente entender que en la vida siempre existirán dos fuerzas que se oponen y luchan entre sí, pero también es cierto que en esta lucha siempre se puede conseguir una armonía expresión que se puede admirar.

El Dios Descendente

Lo majestuoso del cielo contra la solidez y firmeza del suelo se enfrentan para dar bienvenida a una divinidad conocida popularmente como el Dios Descendente. Imaginar a un dios bajar del cielo para dar presencia divina a los pueblos de la tierra era algo muy común.

Este dios no solo representa una entidad de fuerza que proviene del cielo, sino que que también resalta esa gran línea diferencial entre los pueblos que se encuentran en la tierra, y que a pesar de sus diferencias esa relación en dualidad siempre estará presente.

Se le representa con una figura con la cabeza hacia el frente, sus brazos colgados a sus costados y piernas flexionadas como si se encontrará descendiendo de los más altos cielos. Su representación histórica y su estética rústicamente tradicional la hacé mucho más llamativa por representar esos detalles tan importantes de la cultura.

Venus – La Estrella Vespertina

Así como el mundo puede darme buenas noticias, para los mayas Venus significaba mucho más que una estrella vespertina que anunciaba la mañana durante casi 90 días en su calendario. Este cuerpo de los cielos mostraba un sinónimo de malas nuevas, de presagios funestos y aproximación de nuevas guerras que afectarían el constante vivir de esta cultura. Una vez más, la dualidad de las creencias y las influencias de una generación antigua se hace presente hasta en la organización de sucesos futuros de esta época pasada.

La mañana es significado de nuevos inicios, pero un cielo adornado con esta estrella matutina, marcaba el inicio de nuevas reacciones y acciones que hacen alarmar a toda una cultura.

A nivel artístico y escultural, Venus es representada como el Dios guerrero que en sus manos se reposa preparados flechas para el ataque, mientras que a un lado en el suelo se encuentra un enemigo mortalmente herido, quien sucumbe en dolor por un dardo en su cuerpo.

Lo que nos hace  pensar como un elemento celestial, de gran brillo y presencia, trae consigo un antagonista tan oscuro y cruel, que expresa emociones sumamente conflictivas tanto visual como internamente.

Sintiendo el poder del Sol y la Divinidad de la Luna

Comprender esa constante lucha armónica que se aprecia en la cultura maya y en su historia, no es algo que solo debe ser admirado por medio de libros de textos o visitando centros históricos acá en Tulum, solo debo admirar por mi ventana y ver como la luz del sol reacciona ante los cuerpos de la tierra para crear sombra en un mundo iluminado.

Esta misma relación se encuentra en mi interior y es la que siempre busco expresar ante cada una de mis obras y esculturas, porque así como yo puedo sentir emociones complicadas que buscan salir, sé muy bien que otras también la pueden presenciar en sus vidas.

Esto también se refleja en la presencial del sol y la luna en una cultura tan basta y extensa como lo es la del pueblo Maya, en donde el Sol al expresar un constante latir de vida y firmeza, busca estar en armonía con la delicadeza y espiritual presencia de la luna en un mismo cielo.

Muchas historias dicen que ambos cuerpos celestes buscaban enamorarse y vivir juntos, pero que muy pocas veces en ciertos periodos de tiempo han logrado encontrarse para crear sucesos que han marcado la historia de nuestra humanidad.

En lo personal, pienso que esta búsqueda no solo se ve reflejada en la historia, también hace presencia en mi vida diaria, en mi vida adulta e incluso en mi vida de recuerdos, ya que internamente siempre estamos en ese proceso de encuentro con nosotros mismos, para lograr expresar la mejor parte de nosotros.

Ya sea con palabras, con gestos, con música o en mi caso con esculturas y expresiones plásticas de arte, poder transmitir esa armonía que se encuentra en el conflicto de la historia es vital para el crecimiento y es algo que en mi ha logrado inspirar de manera excepcional.

Nunca seré luz y nunca seré oscuridad, siempre seré una expresión viviente de ambas entidades, que busca con sus manos expresar emociones encontradas, aún no me conozco en totalidad y vivo para conocerme cada día, pero no pasará ningún día que no deje de agradecer a esta gran influencia mexicana, de su cultivo cultural y de su torrente viviente que aún se mantiene en curso por el presente.

Esculturas del realismo fantástico que hablan del amor – Germán Arzate Garza

En estas esculturas de bronce, el amor es una palabra compleja porque  más que una palabra, es un sentimiento una emoción algo que no está ni tangible ni palpable es algo que simplemente se siente o no.

El amor también ha sido mencionado en infinidad de cuestiones artísticas no nada más en las esculturas de bronce, también en  pintura,  poesía y literatura; es un concepto que siempre está ligado  a algo que va en la sombra y en la dualidad que  significa vivir también el desamor.

Cuando haces una escultura de bronce le pones amor, le pones presencia a tu presencia, entregas las emociones y el sentimiento  está presente, el amor al arte,  al tiempo que le dé dedicas,  es una manera de poderse sumergir expresar, sentir y apasionar.

Todo está ahí plasmado en las esculturas de bronce que realizo.

Sientes un amor en particular porque esta escultura en bronce fue parte de tu esencia, está ahí y la plasmaste, dejaste un legado.

Ahí viene el artista observando a otro artista sentir el amor sobre las cosas, tomar una flor y acariciar y sentir su temperatura sentir su textura sentir su forma  y su color.

MÍA

Esta escultura de bronce es  un poema al amor en el sentido de un abrazo, un beso, una penetracio?n, una posesio?n, de una interminable sed de quien tienes en frente.

Una dualidad perfecta del amor ya que posee la completa posesio?n.

No importa si es un familiar una pareja, un hijo o quien te rodea.

El amar tanto que se siente parte de uno mismo.

Tiene la dualidad masculina de apretar, la pertenencia, el tocar, el sentir, el hacer que todo sea tuyo, sin li?mites y por el otro lado el femenino, que es la entrega, la con anza, el dar, el dejarte ir, fluir.

Esta dualidad existe en todo hombre y mujer, se tienen despiertos ambos… y siempre hemos jugado ambos roles.

Pasión

La pasión ha sido siempre parte de mi vida en cuanto a hacer las cosas pero también la pasión una vez que entendí el amor, que entendí cómo funcionaban los instintos, tu forma de expresarte, me di cuenta que todo empezaba en una boca, en un cuello, en la nariz.

Una pasión que tal vez nos hace pensar en el cuerpo, hacia lo erótico o algo más grotesco. Aquí la pasión es un gesto sutil, una mirada puede ser un cortejo, una palabra un cumplido pero la pasiones justamente cuando comienza el roce, ese toque y esa manera de sentir.

Cuando quise plasmar esta pieza empezaba por una boca, un cuello, una nariz, la duda era si ponía la cara o no, si cada en lo mismo, una pareja besándose, una pareja viéndose, una pareja sintiéndose, tenía que ser algo sutil quise acabados triangulares y rectos para que toda la belleza se centrara en el ligero toque de dos barbillas, esa era la idea, la hice en una estructura donde lo más difícil con plastilina era lo más complicado.

Pasíon es una de las esculturas de bronce que transmite pasión por la vida y las cosas, la pasión por hacer las cosas, pasión por uno mismo, la pasión a ese fuerte amarre a lo que quieres, esa búsqueda, ese sentir y esa entrega a luchar por lo que quieres también tiene que ver con la pareja,  con el amor, esta la he entregado a pacientes o amigos que luchan por alguna pasión, por las cosas o por la pareja, no importa como la manifiestes, la pasión es lo que cuenta.

Toque íntimo

Para mí esta es una de las esculturas de bronce que expresan el acercamiento a veces físico, químico o etéreo de una persona con otra. Quería señalarlo muy sutil.

Eróticamente sutil y a la vez de una manera mística.

Para mí las manos siempre han sido la herramienta más interesante para acercarse al otro. El toque, el sentir, el acariciar, eso es algo que es muy importante.

Cuando de alguna manera siento que el acercamiento con alguien puede ser sentido con el más mínimo milímetro de tu piel con su piel, ahí hay una descarga de electricidad, un intercambio de energía y adrenalina, emoción que es a la vez un acercamiento a lo desconocido.

Sentir cómo es el universo de ese ser que está a tu lado. Y eso expreso en esta colección de  esculturas de bronce.

Significa que hay dos mundos que se juntan en un universo, es un mar que se hace uno, un mar inquieto del cual emergen dos manos y cada mano está en una posición en donde emerge y gira para voltear y sentir al otro, mano de hombre y mujer que representan al lado masculino y femenino. Perfecta simbiosis.

La fuerza, la energía que contiene tu mano al acercarse a otro. La parte masculina buscando, sintiendo y tocando simplemente muy sutil en unos lóbulos de las manos causa que de la mano femenina salgan descargas de electricidad representadas en rayos, de esa manera se crea un toque íntimo en esta escultura de bronce.

Fue interesante cómo representar en esta escultura de bronce en particular dos manos en un cortejo donde puedan hacer sentir al otro una descarga y a la vez que fuera elegante, que fuera majestuoso. Tuve que mirar mucho mis manos, las manos de los demás, las posiciones, eso es lo más importante.

Si la emoción siempre gana, tu emoción interna es lo que debemos seguir, la intuición y la forma de cómo hacer sentir y que te hagan sentir.

Es justamente cuando te acercas y de alguna manera tienes el toque perfecto con una perfecto y volteas a ver energéticamente cómo esa descarga llega hasta ti.

En estas esculturas de bronce, el amor se presenta fuerte y desbordado pero también sutil. Es esta dualidad del sentimiento la que más me ha fascinado en la vida.

  • German Arzate, escultor mexicano.

Esculturas de arte que hablan de la naturaleza del ser humano – Germán Arzate Garza

Mi nombre es German Arzate y soy escultor mexicano autodidacta he realizado esculturas de arte en bronce pero también he trabajado con diferentes materiales.

Desde niño me llamó el proceso de esculpir. Jugando en la escuela con plastilina, nunca me limité a hacer animalitos sino que exploraba formas nuevas.

En la Colección Natura, el arte en bronce con las figuras de animales tienen un toque muy mío. En ella los animales expresan las características que comparten con nosotros, lo seres humanos.

Toda la colección lleva ciertas líneas que imitan músculos o caricias del viento. como si fuera aerodinámica con una maquinaria perfecta.  En este caso me decidí no ir por el arte en bronce porque el material te permite expresar diferentes cosas.

La fuente de estas esculturas, algunas de arte en bronce, es todo lo que menciono pero también llegar al mundo animal con esta colección y hacerla parte de lo que es siempre estar buscando la dualidad dentro de una misma pieza, dentro de una misma hay modernidad y naturaleza.

Eso me apasiona.

La naturaleza tiene mucho de hombre y el hombre mucho de naturaleza. Esta dualidad de la existencia acompaña gran parte de mis esculturas.
León

El león es una versión estilizada de la estética y buscar un sentido más moderno en este arte en bronce.

Siempre me ha llamado la atención que el león ha estado presente en los grandes imperios,  es una representación de autoridad y fuerza y liderazgo.

El león se ha hecho en diferentes versiones.  Siempre ha estado presente, en los palacios, castillos, porque es un animal al que siempre puedes reconocer su fuerza y es el felino más fuerte y poderoso de todos los felinos.

Los imperios siempre han buscado tener un león guardando y protegiendo las entradas que demuestran liderazgo.

Cuando realicé esta esta escultura de arte en bronce,  me di cuenta que puedes tener un león en tu casa, pero ¿por qué lo tienes?, ¿qué quieres demostrar?

El simple hecho de que un león esté presente a nivel energético está denotando liderazgo hay un imperio, hay fuerza…

Toro cúbico

Cuando realicé esta pieza el toro cúbico fue un reto primero que nada por entrar al tema de los toros.

Cada vez que mencionas el toro significa estar a favor de la corrida de toros.

Jamás sido partícipe de las corridas de toros, yo sería el primero de estar ahí si la pelea fuera justa, yo creo mucho en la parte donde si algo es parejo, adelante…

Para mí hacer un toro era un reto y hoy que lo he hecho puedo decir que es hipnotizante poder sentir cada músculo, esos movimientos, esa entrega del animal es una de las cosas más impactantes. Elegí otro material diferente al arte en bronce por estos significados y matices.

Pantera

Quería hacer un arte en bronce de un  felino que fuera representativo a la destreza, a la sagacidad, a lo sensual, y a la vez a algo que es muy elegante.

Para mí la pantera es arte en bronce que representa la preparación para realizar algo, fuerza, y ataque.

Una manera de representar cuándo alguien tiene un proyecto en mente, cuando va detrás de algo o alguien; en cómo cada movimiento debe estar equilibrado, esto lo vi cuando vi cómo se movía un felino de ese tamaño para acechar a su presa, para mí era una fuente de inspiración que un animal tenga esa majestuosidad.

Cualquier felino me hace ver sus músculos, los huesos entre la piel y las pisadas sutiles pero firmes y así hay que ser en los negocios y en la vida.

Este arte en bronces está dedicada a un gran planeador, observador y ejecutor. Esto en la vida diaria se ve en todos lados, desde lo que queremos hacer, nuestras decisiones y manejo, ser precavidos, de alguna manera exactos y cuidadosos con nuestras palabras y acciones.

A veces toma trabajo darse cuenta pero es parte de una enseñanza, el poder llegar a esa perfección que  la pantera  puede dar.

Dos meses me tomó darle el movimiento perfecto, hacer que la cola, las garras, los músculos, la mirada y todo lo que tiene se vea en una sola escultura de arte en bronce: equilibrio, destreza y fuerza. Esta pieza se me hace altamente elegante.

Caballo moderno

En esta escultura  que realicé hace algún tiempo fue muy interesante porque fue de hecho la primer pieza que quise sacar como naturaleza, quería un caballo diferente, que no se viera como los demás, darle la fuerza y el brío de una manera muy estilizada. Pero que siempre se vea el equino como tal.

El significado es que justamente es una pieza que habla de fuerza, libertad, dominancia y a la vez un fuerte brío. Es para alguien que no sólo es amante de los caballos sino que le gusta que las cosas sean a su manera, es para una mente libre, revolucionaria y salvaje.

¿Por qué quise hacer un caballo de esta manera? Es un grito a la libertad, es un grito a hacer las cosas bien todo el tiempo con fuerza impetuosa. Me gusto el tema de moderno porque permitía una forma especial, una forma que no pase de moda y que fuera del momento.

Las emociones es mente salvaje, rebelde, obsesionada por la perfección, siempre saliendo de patrones normales. Es un alma fuerte de un gran potencial como este caballo moderno que está en dos patas luchando, celebrando y moviéndose en libertad.

Esto con la vida real se relaciona con el caballo porque siempre nos llama la atención su melena, su forma de caminar, su elegancia. Esta pieza lleva esa parte elegante que puede adornar un negocio, casa, oficina u empresa. Cualquier entrada o recámara. Enseña que el brío del caballo está en nosotros.

Por la forma que tiene, el bronce sostiene la fuerza del caballo y debe ser muy estilizada.

Escultores mexicanos que admiro – Germán Arzate Garza

Mi nombre es German Arzate y soy  parte de los escultores mexicanos que han tenido una formación autodidacta.  Nací en México DF el 18 de abril de 1967 siendo el mayor de una familia de 4 hermanos.

Mi única forma de acceder al arte fue a través de mi madre, una amante de las bellas artes.  En ese tiempo no había internet y el acceso a las obras de arte era mediante libros o enciclopedias.

Ahí nació mi amor por grandes escultores mexicanos de esa época y recientes. Aquí te presento alguno de esos artistas contemporáneos que más admiro.

Los escultores mexicanos Leonora Carrington, Agustín Parra y Pedro Cervantes comparten características que siempre retoman el poder del pasado como elemento, el medio autodidacta o de rechazo a las academias de arte.

Una afinidad y sensibilidad por el misticismo de estos escultores mexicanos ayudan a revivir el mito del creador divino, pero también representa la rebeldía humana que desafía y crea ídolos de metales preciosos que rivalizan con las divinidades invisibles.

 

Leonora Carrington

Se cumplen 100 años del aniversario del nacimiento de  Leonora Carrignton que forma parte de los escultores mexicanos que más admiro.  Para mí es un gusto y un honor conocer su obra.

Ver su legado es fascinante y en lo particular siento que lo que vale la pena de Leonora Carrington es su atrevimiento en un momento por el que las mujeres pasaban varias cuestiones difíciles, para una mujer expresarse era muy difícil y poder plasmar en algún campo artístico, político y económico era muy difícil.

Ella es una de las mejores escultoras mexicans que nos llevó a un sistema de pensamiento en el cual te confrontas, lo ves y te imaginas y de alguna manera vuelas con ella y sus obras.

La fusión de manos humanas con calzas de animales, campanas y diferentes artefactos plasmados en pintura, escultura y muchas técnicas siguen hablando de cosas fascinantes.

Leonora Carrington ocupa un lugar muy especial entre los escultores mexicanos. Es a veces fúnebre y oscura pero me encanta cómo puede plasmar eso que quiso pensar y decir, algo artístico.

Han pasado 100 años de su nacimiento y recientemente se fue una gran artista. Pero ha dejado un legado que se deja ver y que dejó mucho trabajo por admirar en México.

En lo particular yo hago mi función en el mismo lugar donde ella realizó sus fundiciones y me encanta ver cómo se plasman ahí sus obras y cómo en México es una gran mujer del arte.

 

Agustín Parra

Entre los escultores mexicanos que más han desarrollado una personalidad propia retomando elementos del arte de otras épocas se encuentra Agustín Parra, conocido artista que se ha inclinado por integrar motivos religiosos en su obra, que incluye la revitalización de técnicas antiguas.

Parra realiza obras bajo comisiones de arte colonial por parte de organismos eclesiásticos y sus figuras alcanzan un realismo especial donde la atención al detalle de la anatomía humana resalta, pies, venas, manos etc como una preocupación constante entre este grupo de escultores mexicanos.

Las piezas se realizan  de forma individual y Parra usa todo los métodos originales posibles de siglos que van desde el XIV al XVII.

Además la cercanía  y predilección de la Iglesia Católica por su trabajo ha puesto a Parra entre el grupo selecto de escultores mexicanos que han podido realizar trabajos para 3 diferentes Papas.

Parra participó junto con otros artistas y escultores mexicanos en la elaboración de 96 piezas durante las visitas papales de 1999 y 2002 así 34 para la de 2012.  Recientemente aportó el mobiliario para la recepción del Papa Francisco.

 

Pedro Cervantes

Pedro Cervantes como Leonora Carrington y Agustín Parra es uno de los escultores mexicanos que mayormente han experimentado o han realizado obras con el mayor número de materiales posible dando a su obra a libertad técnica y creativa que lo destaca.

Cervantes forma parte de los  escultores mexicanos que confiesan tener una fascinación por el lado animal de las cosas.

Además Cervantes ha sido de los primeros escultores mexicanos en pronunciarse por una propuesta de obra “ecológica” es decir, piezas que armonicen con el espacio citadino, que eviten la contaminación visual de los paisajes urbanos.

Aunque cursó estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas,  dejó los salones académicos para, como otros de los escultores mexicanos, se decidió por la experimentación  materiales diversos.

La obra de Cervantes expresa elementos de la sexualidad, el infinito placer que se une con la infinita inestabilidad del sentimiento erótico y amoroso.

Sin duda México ofrece una amplia gama de influencias que retoman elementos de la gran diversidad técnica, temática que ofrece este país lleno de ideas y fantasmas que en este caso se representan en todos los motivos místicos eróticos en la obra de estos escultores mexicanos.

Soy un escultor mexicano que ama trabajar con la dualidad – Germán Arzate Garza

Soy un escultor mexicano que ofrece una visión dual en obras donde convino escenas cargadas de erotismo y humanidad con elementos de lo natural/animal que me ubican como un artista mexicano del realismo fantástico.

La dualidad de la existencia humana es una constante en mis esculturas de bronce: placer-dolor, felicidad- tristeza-, hombre-mujer, soledad-compañía, amor y ruptura, temas que acompañan mi carrera como escultor mexicano.

En mi obra quiero trabajar con una marcada libertad creativa e imaginativa pero con un poco más de claridad comparada con las rupturas artísticas de la mitad del siglo XX.

Mi propuesta se ubica en la fusión de los opuestos, en su unión contradictoria que, sin embargo, gracias a la estética que me permite expresarme como un escultor mexicano entregado al concepto colocado en cada obra donde logro unir dichos contrarios en una expresión concisa usando el bronce como material expresivo.

Sin embargo, en mi exploración artística como escultor mexicano he explorado las posibilidades expresivas de otros materiales como la arcilla, plastilina, madera, mármol, metales y el  acrílico.

¿Un escultor mexicano de la nueva generación?

Aunque me considere un escultor mexicano de la nueva generación, retomo siempre el elemento humano y al cuerpo en expresiones clásicas de la escultura gracias a su atención al detalle en la representación de un rostro, músculos o un cuerpo en movimiento.

Para mí lo más importante y que trato de reflejar plenamente en mis esculturas de bronce es la posibilidad de observar, soñar, trabajar exhaustivamente según mi propio ideario como escultor mexicano que trato de hacer público en las entrevistas que me han realizado con respecto a los motivos de mi obra.

Ser artista en México me ofrece la posibilidad de grandes imaginarios donde el realismo fantástico y la multiplicidad de temas que me ofrece la diversidad de influencias y culturas es una constante  y como escultor mexicano, aprovecho los influjos clásicos y originales que en esta tierra legendaria han aportado Frida Kahlo, Remedios Varo, y otros nombres conocidos por la crítica mundial.

Mi obra explora con fascinación el tema del erotismo y en la relación – casi perdida en el arte contemporáneo y recuperada desde mi taller de escultor mexicano– del ser humano con su lado más animal.

La rebelión en mi estilo

Mi estilo apuesta por la rebelión pero también por integran estilos propios de la riqueza cultural como las que expresas las culturas mesoamericanas, las búsquedas chamánicas que trato de mostrar en mis obras y a lo largo de mi exploración como escultor mexicano.

Trato de representar en las esculturas de bronce la relación entre hombre y naturaleza, exploro cómo los aspectos humanos interviene en ella y con animales, plantas o incluso las estrellas.

En la escultura “Rinoceronte” expreso la unión entre la agresividad del animal africano con la realidad del ser humano. La furia de la bestia sólo se refleja una vez que ha encontrado un obstáculo en el camino y no duda en usar su arma para hacerse paso.

En esta criatura, se une la pasividad que demuestra en su vida cotidiana con la fuerza y furia que refleja una vez que se enfrenta a sus enemigos.

Para mi, como escultor mexicano, mi obra expresa esta dualidad en tres vertientes: una mística donde hablo de dualidades más metafísicas como las del hombre y sus dioses,  una romántica donde el amor se observa en sus arquetipos más extremos de dolor-placer y una natural donde los seres animales representados sufren también sus propias dualidades, principalmente aquellas donde más se parecen al ser humano.

El producto de mi trabajo como escultor mexicano está en constante experimentación, trabajo con diferentes materiales y formas, busco en todo momento hacer de mis piezas objetos llenos de poesía, originalidad y significado.

El significado de mi obra

La poesía puede transformarlo todo y como escultor mexicano trato de demostrarlo al hablar del dolor en obras como “Mía” o “Dolores” donde expreso el gran duelo del desamor y la pasión que termina agotando o derrotando a los amantes.

En ellas, expreso todo el dolor que puede provocar el amor como expresión del dolor.

En la primera escultura de bronce se expresa la unión del amante que se aferra al cuerpo de la amada y en la otra,  plasmo el cuerpo de la mujer expresado en lo que parece una encia gigante que trata con ironía el dolor provocado por el deseo erótico.

Siendo un artista autodidacta, concentra su trabajo en esta propuestas que unen opuestos y crean armonía entre los contrastes.

Por ejemplo, en obras como “Equs” o “Toro Negro”  los animales se encuentran enfrentados en su propio dolor natural provocado por situaciones humanas como la tauromaquia pero reivindicadas en su expresión de  belleza y poder ante esos dolores, tal como mi obra como  escultor mexicano plasma e inmortaliza con  atención al detalle.

En otras obras de bronce como “Rey del Mar” retrato el misticismo de las deidades comparándolas con el hombre cansado que duerme esperando los movimientos de las mareas.

El mundo acuático es una parte importante de la expresión de mi trabajo como escultor mexicano, por la cercanía con el mar que tiene gracias a ser vecino de las costas de la Riviera Maya.

Cuando veo a la gente mirar las obras en alguna exhibición quiero que las tocan, que las sienten, quisiera que pudieran sentir la misma sensación que yo tengo al momento de realizarlas.

 

He tenido la oportunidad de ser reconocido como escultor mexicano y representativo del realismo fantástico   contemporáneo en algunos espacios como la Agora Gallery en Nueva York donde ofrecí una muestra diversa de mis propuesta en Febrero y Marzo de 2016.

Angela Di Bel, directora de Agora Gallery en New York, dijo unas palabras que agradezco: “seleccioné la obra de Arzate porque habla de temas que siguen fascinando en el arte: el misticismo, el amor, el dolor y la naturaleza”.

Soy un escultor mexicano vivo también una dualidad en mi arte y en la vida profesional en Cancún, Quintana Roo  donde desde años hace años trabajo como odontólogo. Ser dentista es hacer escultura en chiquito.

Poseidón, escultura de bronce con la fuerza del mar – Germán Arzate Garza

Poseidón fue una de las primeras y más importantes esculturas de bronce que yo realicé. Desde siempre he sido un gran amante del mar y de toda la mitología alrededor. Y siempre he relacionado la fuerza que lleva el mar con la manifestación de esta fuerza en un dios tan imponente como impresionante como lo es Poseidón.

Para mí, Poseidón marcaba la fuerza, la tendencia y la autoridad en una escultura de bronce.

Realizar Poseidón fue un reto precioso, mi propósito era lograr la simbiosis entre hombre y naturaleza, pez y ser humano, agua y tierra. De ahí salió la idea y la fuente de esta escultura de bronce.

Más que tributo al dios, es al agua, a la fuerza, al humano y a los animales que habitan el agua.

De ahí que sea pez y humano al mismo tiempo, que sea una especie dual.

Durante el proceso de la creación de Poseidón, la conceptualización fue muy importante desde el inicio. Quería que la escultura en bronce, tuviera un báculo, y tuviera la fuerza de años recorridos, que represente en su posición una manera de decir: “aquí estoy, presente y alerta”.

La posición de alerta, la forma de girar el cuerpo para dirigirse al infinito con mirada intensa y retadora la hace una escultura en bronce fuerte para alguien con el poder y el reconocimiento. Alguien que tenga la guía como don y supiera el rumbo que quiere. Eso no es fácil de encontrar.

Es por eso que Poseidón lleva la fuerza del mar por dentro, es una escultura en bronce con épica porque conlleva ir hacia adelante y con fuerza.

Emociones como esas se transmiten para gente que domina su terreno y domina lo que hace.

Gente que es líder y dice para dónde.

Para mí, Poseidón puede ejemplificarse en tu día a día. Se ve en cómo llevas tu liderazgo y hacia dónde vas, tu rumbo. Si tuviéramos por lo menos el 1% de la fuerza del mar dentro de nosotros sería de una intensidad como la que esta escultura de bronce lleva implícita.

El tiempo de realización de esta escultura fue alrededor de un par de meses. Tardé más en darle ese giro, esa posición.

Está de alguna manera listo, viendo atento, alerta. Bien podría estar a lado de un faro, como una pieza majestuosa indicando el rumbo a todos los barcos o podría estar en la entrada de una mansión fuerza dominancia, de alguien presente.

La escultura en bronce de Poseidón tiene una serie de emociones que quise plasmar en un tamaño adecuado para poder estar a la entrada de cualquier lugar. No rebasa el metro y sería una poderosa pieza de entrada, de recepción; siempre a la cabeza marcando la tendencia y el rumbo. Realizar me ha llenado de mucho goce y es de mis esculturas de bronce favoritas.

German Arzate, escultor.

¿Por qué Poseidón es una escultura tan importante para mí? – Germán Arzate Garza

Fuerza, tendencia y autoridad en una escultura de bronce

Poseidón fue una de las primeras esculturas de bronce que realicé. Yo siempre he amado la mitología y soy gran amante del mar y su fuerza. Por eso me fascinó tanto la figura de un dios tan imponente.

Fuerza, tendencia y autoridad, eso representa Poseidón para mí y por eso visualizo esta escultura de bronce en alguna entrada o lugar principal de alguna mansión o residencia.

Para el artista, celebrar es poder encontrar o darle sentido a un sueño, una emoción un sentimiento, la aportación estética de un artista al mundo, el poder expresar plasmar, sentir y gozar cómo fluye una idea a través de tus sentidos, cómo a través de tus manos puedes plasmar una emoción en este caso en una escultura de bronce, es un sentimiento indescriptible.

El proceso de creación de esta pieza fue interesante desde la conceptualización: la posición de alerta y la forma de girar el cuerpo. Quería transmitir el don, la pasión y la fuerza en un sola escultura de bronce.

Está dirigida a gente que es líder, a los que marcan tendencia y dicen para dónde. Aquellos que miran por encima una ciudad.

Lograr esa simbiosis entre hombre y naturaleza, pez y ser humano, agua y tierra fue un reto precioso.

a dualidad

La dualidad siempre ha estado y nunca ha dejado de ser presente, la he visto en la forma de una nube, lo he visto en las plantas, en los árboles. He encontrado caras en las plantas, en las nubes he visto figuras, formas;  las manchas en una pared para mi son rostros o esculturas de bronce.

Cuando era niño yo no quería ir a las jugueterías, quería ir a las tlapalerías y le pedía a mi madre que me comprara plastilina para tuberías en lugar de juguetes o dulces.

Lo importante en ese momento y ahora: la celebración del arte.

Recuerda que antes las piezas y esculturas de bronce no venían firmadas. Firmar el arte es muy reciente pero hoy por hoy que un artista celebre por medio de la creación es  lo interesante. No la fama o la fortuna, el creador  no debe perder el piso y siempre controla el éxito.

Un artista debe saber que así las piezas estén en las salas o entre las más grandes piezas de esculturas de bronce en Louvre, lo mejor debe provenir del proceso creativo, de la misma celebración.

En Poseidón y en la mayoría de mi trabajo aplico estos principios. En esta escultura de bronce la posición de alerta y la forma de girar el cuerpo para dirigirse  al infinito con mirada intensa y retadora la hacen una obra fuerte para alguien con el poder y el reconocimiento, la guía, el don y el rumbo. Y eso no es fácil de encontrar.

De ahí que Poseidón lleva la fuerza del mar por dentro, es una pieza épica porque conlleva ir hacia adelante y con fuerza.

El mar en nuestro interior

Emociones como esas se transmiten para gente que domina su terreno y su campo, gente que es líder y dice para dónde.

Para mí, la emoción de Poseidón  puede ejemplificarse en tu día a día, en cómo llevas tu liderazgo y hacia donde vas, tu rumbo.

Si tuviéramos por lo menos el 1% de la fuerza del mar dentro de nosotros tendríamos la intensidad como la que esta escultura de bronce lleva en sí misma.

En su elaboración me tarde un mayor tiempo en darle ese giro y  esa posición que tiene. Está de alguna manera listo, viendo atento, alerta.

Bien podría estar a lado de un faro como una pieza majestuosa indicando el rumbo a todos los barcos o podría estar en la entrada de una mansión, también podría representar una tendencia de un grupo o rumbo de una ciudad, de una ideología.

Poseidón está en un tamaño adecuado para usarla como escultura de bronce en una recepción, pero siempre a la cabeza, marcando la tendencia y rumbo.
La elaboración de esta escultura de bronce me ha llenado de mucho gozo y es de mis piezas preferidas.